miércoles, 8 de diciembre de 2010

LAS FLORES DEL MAL

LAS FLORES DEL MAL-CHARLES BAUDELAIRE

V

LA FUENTE DE SANGRE

A veces siento mi sangre correr en oleadas,
lo mismo que una fuente de rítmicos sollozos;
la oigo correr en largos murmullos,
pero en vano me palpo para encontrar la herida.

A través de la ciudad, como un campo cerrado,
va transformando las piedras en islotes,
saciando la sed de cada criatura,
y coloreando en rojo toda la natura.

A menudo he pedido a estos vinos
aplacar por un solo día el terror que me roe;
el vino torna el mirar más claro y el oído más fino.

He buscado en el amor un sueño de olvido;
pero el amor no es para mí sino un colchón de alfileres,
hecho para dar de beber a esas crueles mujeres.

Las flores del mal es una obra de concepción clásica en su estilo, y oscuramente romántica por su contenido, en la que los poemas se disponen de forma armónica. Considerada la obra máxima de su autor, abarca casi la totalidad de su producción poética desde 1840 hasta la fecha de su primera publicación.
En ella, Baudelaire expone la teoría de las correspondencias y, sobre todo, la concepción del poeta moderno como un ser maldito, rechazado por la sociedad burguesa, a cuyos valores se opone.

Desde mi punto de vista el mejor poema es el que se encuentra publicado, La Fuente de Sangre, pues se ve claramente lo que piensa y siente el autor sobre el amor, las vivencias, como se va transformando y como afecta no solo a la pareja sino a las personas que los rodean. Al mismo tiempo puedo decir que muchas personas se pueden identificar con el poema y porque no con el autor.

Charles Pierre Baudelaire nació en Francia, París el 9 de abril de 1821 y murió en la misma ciudad el 31 de agosto de 1867; fue un poeta, crítico de arte y traductor francés. Fue llamado poeta maldito, debido a su vida de bohemia y excesos, y a la visión del mal que impregna su obra.

domingo, 5 de diciembre de 2010

Arte Gótico

PINTURA GÓTICA


La pintura gótica, una de las expresiones del arte gótico, no apareció hasta alrededor del año 1200, es decir, casi 50 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, y podemos ver los comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo, a principios del siglo XIII. El impulso decisivo de esta pintura realista cristiana se produjo en la Italia septentrional de finales de siglo. Diseminándose por el resto de Europa, el periodo gótico se extendió durante más de doscientos años.
Simone Martini (1285–1344)
Características generales
La característica más evidente del arte gótico es un naturalismo cada vez mayor, frente a las simplificadas e idealizadas representaciones del románico. Se considera que esta característica surge por vez primera en la obra de los artistas italianos de finales del siglo XIII, y que marcó el estilo dominante en la pintura europea hasta el final del siglo XV. La pintura gótica se aproxima a la imitación a la naturaleza que será el ideal del renacimiento, incluyendo la representación de paisajes, no obstante, sigue siendo poco usual. Se desprende de los convencionalismos y amaneramientos bizantinos y románicos, pero no toma como ideal de belleza el arte griego ni romano antiguo. También ha de decirse que es en este momento en el que comienza la pintura profana, esto es, la pintura en que los temas ya no son siempre religiosos.

En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas (recuperación de la filosofía de Aristóteles a través del averroísmo, humanismo de San Francisco de Asís) se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos (los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico. El artista gótico busca su inspiración en la vida. Hay más detalles narrativos, más frescura, color, luminosidad que se logran con técnicas más refinadas.
Los primeros maestros del gótico conservaban la memoria de la tradición bizantina, pero también crearon figuras persuasivas, con perspectiva
La pintura, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales: pintura mural, vidrieras, pintura sobre tabla y miniaturas.



ARQUITECTURA GÓTICA

 

Catedral de Nuestra Señora de París. Muestra las características de la arquitectura gótica que nace en la región de Ile de France a finales del siglo XII: el uso del arco ojival y las elevadas bóvedas de crucería que desplazan su peso mediante los arbotantes, el predominio de los vanos sobre los muros, que permiten los grandes rosetones, la altura de la aguja central y la posición central del transepto.
La arquitectura gótica es la forma artística sobre la que se formó la definición del
La arquitectura gótica puso especial énfasis en la ligereza estructural y la iluminación de las naves del interior de los edificios. Surgió del románico pero acabó oponiéndose a la masividad y la escasa iluminación interior de sus iglesias. Se desarrolló fundamentalmente en la arquitectura religiosa (monasterios e iglesias), teniendo su cumbre en la construcción de grandes catedrales, secular tarea en que competían las ciudades rivales; aunque también tuvieron importancia la arquitectura civil (palacios, lonjas comerciales, ayuntamientos, universidades, hospitales y viviendas particulares de la nueva burguesía urbana) y arquitectura militar (castillos y murallas urbanas).
Los dos elementos estructurales básicos de la arquitectura gótica son el arco apuntado u ojival y la bóveda de crucería, cuyos empujes, más verticales que el arco de medio punto, permiten una mejor distribución de las cargas y una altura muy superior. Además, la parte principal de estas son transmitidas desde las cubiertas directamente a contrafuertes exteriores al cuerpo central del edificio mediante arbotantes. El resultado deja a la mayor parte de los muros sin función sustentante (confiada a esbeltos pilares y baquetones), quedando la mayor parte de aquéllos libres para acoger una extraordinaria superficie de vanos ocupados por amplias vidrieras y rosetones que dejan paso a la luz.
La arquitectura gótica tuvo su origen en las regiones de Normandía e Isla de Francia, desde donde se difundió primero a todo el reino de Francia y posteriormente (ya a mediados del siglo XIII), sobre todo por la extensión del arte cisterciense y las rutas jacobeas, por el Sacro Imperio Romano Germánico y los reinos cristianos del norte de España (que durante ese periodo de la Reconquista se estaban imponiendo a los musulmanes del sur). En Inglaterra penetró pronto el estilo francés, aunque adquirió un fuerte carácter nacional. A Italia llegó tarde, no tuvo mucha aceptación, y su impacto fue muy desigual en las distintas regiones, y muy pronto fue sustituido por el Renacimiento.
es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_gótica

ESCULTURA GÓTICA

 


Ángel de la sonrisa, catedral de Reims, siglo XIII.
Las vírgenes necias, catedral de Magdeburgo, hacia 1250.
La escultura gótica es el estilo escultórico que corresponde al periodo gótico del arte occidental, y por tanto se extiende desde finales del siglo XII a comienzos del siglo XV por la Europa Occidental cristiana.

es.wikipedia.org/wiki/Escultura_gótica

La escultura gótica está caracterizada por el interés hacia la naturaleza manifestado por los artistas.
Conserva el carácter monumental y grandioso de herencia románica pero las figuras están dotadas de mayor expresividad, abandonando la deshumanización. Las imágenes se comunican entre sí expresando sentimientos, alegría, tristeza, dolor, etc., hasta llegar al patetismo en el siglo XV. Con la escultura gótica reaparece también el retrato.
En la escultura gótica se observa una progresiva liberación del marco arquitectónico y un mayor naturalismo.
Existirá una escultura monumental. También adquiere gran importancia la escultura funeraria, donde el retrato tiene un mayor realismo.
Podemos hablar de varias etapas en el desarrollo escultórico del Gótico.
Durante el período protogótico destaca el conjunto del pórtico de la Gloria, en España, atribuido al maestro Mateo y el pórtico real de Chartres. Este primer periodo es de grandes composiciones , con escasos pliegues en los ropajes.
El siguiente periodo es el clásico encontramos una tendencia a la belleza ideal, a la ingenuidad y a la sencillez. Suelen ser conjuntos narrativos que ocupan principalmente las portadas. Las figuras se hacen más alargadas y aumentan las curvas, especialmente en los ropajes.
Como última etapa, nos encontramos con el periodo flamígero, que se caracteriza por la utilización de la curva y la contracurva como elemento decorativo. Con estas técnicas se consigue dar movimiento a las figuras. La figura humana se hace más naturalista, convirtiéndose los rostros en auténticos retratos. La escultura se hace totalmente exenta y se difunde la estatuaria funeraria. En el relieve se introduce el paisaje hacia el siglo XV.

www.historiayarte.net/a-escultura-gotica.html
arte gótico, el estilo artístico, comprendido entre el románico y el renacimiento, que se desarrolló en Europa Occidental la —cristiandad latina— en la Baja Edad Media, desde finales del siglo XII hasta el siglo XV, aunque más allá de Italia las pervivencias góticas continuaron hasta los comienzos del siglo XVI.

Visita Museos. 27/nov/2010

MUSEO DEL CONVENTO SAN FRANCISCO

Es el conjunto arquitectónico más grande y hermoso entre los Centros Históricos de Iberoamérica. Está formado por la plaza, la iglesia principal, la capilla de San Buenaventura, la Capilla de Cantuña y el convento de siete patios. Es el convento más antiguo, el mayor y el más interesante del  Ecuador por su contenido artístico y por su protagonismo histórico en donde se incluye las interminables leyendas que circulan y que es importante mantener como parte de nuestra cultura y que nos identifican.
Hoy en este lugar se exhiben 250 obras, de autores como Miguel de Santiago, Caspicara y Bernardo de Legarda. Aquí se inauguró el Museo Fray Pedro Gocial con cientos de piezas coloniales que hay conservarlas pues son tesoros que de una forma relatan nuestra historia, el  templo fue fundado por Fray Jodoco Ricke en 1535.
Uno del los lugares más impresionantes se puede decir que es el coro de la iglesia que tiene una capacidad para 61 frailes, dispone de dos órganos alemanes y decorado por un delicado artesonado compuesto de 4.600 piezas de madera, en cuyo centro hay una peculiar estrella de ocho puntas.
Cerca de 4 mil obras, entre esculturas, lienzos, pintura mural, artesonados y mueblería, se distribuyen por un área de 3,5 hectáreas, con un templo central, dos capillas, tres claustros principales, un huerto y una cervecería. Es necesario destacar que todas las piezas son restauradas con un cuidado especial y gracias a ello aun se encuentran existentes y pueden ser expuesta y conservadas.



IGLESIA DE LA COMPAÑÍA DE JESÚS

La Iglesia de la Compañía de Quito es un ejemplo vivo de arte y de fe del pueblo ecuatoriano, aquí se puede observar la máxima expresión de estilo barroco en el Ecuador, se construyó desde 1605 hasta 1765. Hay que destacar los nombres de los sacerdotes jesuitas extranjeros: Marcos Guerra, Jorge Vinterer, Leonardo Deubler, Venancio Dangolfi y Hernando de la Cruz, expertos en las diferentes artes y oficios como: arquitectura, talla, escultura y pintura; ellos fueron quienes dieron forma y singular estilo al templo jesuita, pero no hay que olvidar que el Quito colonial también aporto a la creación de obras como la mano de obra de la Escuela Quiteña.

Creo que las pinturas que más impacto causaron fueron las de Hernando del la Cruz que son dos grandes lienzos originales del Infierno y del Juicio Final, obras ejecutadas en 1620 y pienso que en estos cuadros queda plasmado lo que el artista siente y piensa sobre la religión y lo que está bien o mal.

El saber que la iglesia se muestra en toda su magnificencia es importante porque es ejemplo de que se ha hecho un esfuerzo por mantenerla y mejorarla, está claro toda la dedicación que varios profesionales han entregado. En la actualidad gracias a las visitas de nacionales y extranjeros se puede mantener esta obra generación tras generación.